林语堂中国书法

所有艺术的问题都是节奏的问题。 因此,了解中国艺术,必须从中国的韵律和艺术灵感的源泉开始。 我们承认节奏是普遍的,并不是中国人独有的,但这并不妨碍我们探索不同的侧重点。 在讨论理想的中国女性时,作者已经指出,西方艺术总是向女性人体寻找最理想、最完美的韵律,以女性为灵感源泉。 而中国的艺术家和艺术爱好者通常满足于愉快地欣赏蜻蜓、青蛙、蚱蜢或锯齿状的奇怪岩石。 从这一点来看,西方艺术的精神更加感性,更加激情,更加充满艺术家的自我; 而中国艺术的精神则更加优雅、更加含蓄、更加与自然和谐。 我们可以借用尼采的话来说明他们的区别。 中国艺术是太阳神的艺术,西方艺术是酒神艺术。 这种巨大的差异只能是由于对节奏的理解和欣赏不同而形成的。 无论在哪个国家,艺术的问题始终是节奏的问题。 这是毫无疑问的。 但直到最近,节奏才在西方艺术中发挥了决定性作用。 在中国,节奏一直扮演着重要的角色——这一点是毫无疑问的。

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宋代米芾《燕山铭》(节选)

奇怪的是,这种对节奏理想的崇拜首先在中国书法艺术中发展起来。

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古画《米甸拜石》

墙上挂着一幅只用几笔画出的顽石图,供人们日夜观赏。 人们冥想它并获得一种奇怪的乐趣。 西方人要想了解这种乐趣,就必须了解中国书法艺术的原理。 学习书法艺术,实际上就是学习形式与节奏的理论。 由此可见书法在中国艺术中的重要地位。 甚至可以说,书法为中国人提供了基本的审美。 中国人通过书法学习线条和形状的基本概念。 因此,不了解中国书法及其艺术灵感就不可能谈论中国艺术。 比如中国的建筑,无论是牌坊、楼阁还是寺庙,没有任何一种建筑和谐和形式美不是源自某种中国书法风格。

这样看来,中国书法在世界艺术史上的地位确实是非常独特的。 毛笔比钢笔使用起来更精致、更灵敏。 由于毛笔的使用,书法获得了与绘画同等的真正艺术地位。 中国人已经充分认识到这一点。 他们把绘画与书法视为姐妹艺术,统称为“书画”,几乎构成一个单独的概念,总是相提并论。 如果要问两者中哪一个更受更多人喜爱,答案无疑是书法。 于是,书法就成为一门艺术。 人们对它的热情和热爱、它丰富的传统和它的崇敬不亚于绘画。 书法的标准和绘画一样严格,书法家的艺术造诣非一般人所能企及,其他领域也是如此。 中国伟大的画家,如董其昌、赵孟顺等人,通常也是伟大的书法家。 赵孟俯(1254-1322)是中国最著名的画家之一。 谈及自己的画作时,他说:“石如飞白木,篆书如印,六法八法相通,若能明白此理,必知书画本是相同的。”

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元代赵孟俯《秀石疏林图》

在我看来,书法代表了最抽象的节奏和结构原理,对于绘画来说就像纯数学对于工程或天文学一样。 在欣赏中国书法时,人们完全忽略了它的字面意义。 人们只欣赏它的线条和结构。 因此,中国人在研究和欣赏这条线条的力量和结构之美时,获得了完全的自由,专注于具体的形式,而忽略了内容。 绘画总是有要传达的对象,但写得好的文字只能传达其本身的线条和结构之美。 在这个绝对自由的世界里,尝试各种节奏,探索各种结构。 正是中国的毛笔使每一种节奏的表达成为可能。 虽然汉字理论上是方形的,但实际上却是由最奇特的笔画组成的,这迫使书法家必须努力解决那些不断变化的结构问题。 因此,中国文人通过书法训练自己欣赏各种美的品质,如刚劲、流畅、含蓄、微妙、速度、优雅、威严、粗犷、线条的严谨或自由、形式的和谐和对称等。 、对比、平衡、长度、松紧,有时甚至是松垮或锯齿状的美。 这样,书法艺术就为审美提供了一套完整的术语,我们可以把这些术语所代表的观念作为中华民族审美观念的基础。

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唐怀素《自传》(节选)

由于这项艺术已经有近2000年的历史,而每位书法家都力求用不同的韵律和结构来创新,这样,或许只有在书法中,我们才能看到中国人艺术灵魂的极致。 某些审美欣赏类别,例如对锯齿状美的崇敬,以及对乍一看摇摇欲坠但仔细观察却坚如磐石的结构的崇敬,会让西方人感到惊讶。 如果他们明白这些类别在中国艺术的其他领域并不容易找到,他们会更加惊讶。

对于西方来说,更有意义的事实是,书法不仅为中国艺术提供了审美基础,而且代表了一种万物有灵的原则。 这个道理一旦正确理解并运用,就会结出丰硕的成果。 如上所述,中国书法探索了一切可能的韵律和形式,这是从大自然,特别是动物和植物中汲取艺术灵感的结果——梅花的枝条、残叶摇曳的枯藤、豹子的跳跃、虎的爪子,麋鹿的快脚,马的力气,熊毛的簇簇,白鹳的纤细,松枝的老皱。 因此,自然界的各种韵律都被中国书法家模仿,并直接或间接地形成某种灵感,创造出一些特殊的“书风”。 如果说中国文人在枯藤上看到了某种美,那随意的优雅,舒展的坚韧,弯曲的枝条,上面挂着几片叶子,漫不经心,却恰到好处。 ,他将这种美融入到他的书法中。

如果另一位学者看到一棵松树,树干弯曲,枝条下垂而不是直立,表现出惊人的坚韧和力量,他也会将这种美融入到自己的书法风格中。 于是,就有了“枯藤”、“壮松”的笔法。

从前有一位著名的僧人、书法家,他练字多年,却毫无长进。 有一天,他在山路上悠闲地行走,偶然看到两条大蛇正在打架,它们各自伸着脖子,表现出外表柔软,内心刚强。 他突然恍然大悟,有了灵感。 回国后,他形成了一种非常独特的书法风格,他称之为“斗蛇”。

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欧式风格的“九城宫”中的“九”字明显倾斜,似坠却未坠。 这是一个危险的情况,就像一块石头从高山上掉下来一样!

身体表现出蛇颈的伸展和弯曲。 中国的“书圣”王羲之在谈论书法艺术时,也借用了自然界的形象:每一横,都如行云流水;每一横,都如行云流水;每一笔,每一笔,都如行云流水。 他的每一击,都如百军弩的头发。 他提出的每一点都像一把弩。 一块石头从山顶落下; 每一个褶皱都像弯曲的钢铁军; 每一次拉动,都像一株长寿的枯藤; 每一次的放纵都如同脚步的急速。

如果你想掌握中国书法,首先必须仔细观察每种动物所包含的形式和节奏。

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“卫”字选自汉代《张骞碑》隶书

每一种动物都有自己的和谐之美,这种和谐直接源于其生理功能,特别是运动功能。 一匹粗壮的马,毛茸茸的腿,高大的躯干,有它自己的美,正如一匹平滑敏捷的赛马有它自己的美。 这种和谐也存在于纤细、弹跳、快速、敏捷的灰狗身上,也存在于长毛爱尔兰梗身上:它的头和四肢连在一起几乎形成一个方形物体,与中国书法极为相似。 “隶书”(流行于汉代,后由清代邓石如发展成艺术)。

有一点需要注意。 这些动植物之所以美丽,是因为它们蕴含着一种气势。 试想一下,盛开的梅花会带来意想不到的美丽和艺术性的不规则变化! 彻底地、艺术性地理解这种美,就是理解万物有灵的内在原理,也就是理解中国艺术。 这朵梅花,即使花谢了,或者被扯掉了,仍然是极其美丽的,因为它还活着,因为它表达了一种活下去的冲动。 每棵树的形状都表现出一种节奏,这种节奏源自某种生命的冲动。 它要成长,要拥抱阳光,要维持自己生命的平衡; 也源于抵御风雨的需要。 每棵树都是美丽的,因为它暗示着这些冲动,特别是因为它暗示着朝某个方向的运动,向某个地方的延伸。

它不考虑美,只想生存,其结果是极度的和谐和深深满足的美。

大自然赋予了猩猩狗高度弯曲的身体以及连接身体和后腿的曲线,使其能够跑得极快。 另外,大自然并没有人为地赋予它任何抽象的美感。 这些器官之所以美丽,是因为它们代表了一定的速度,而和谐的形态正是从这些和谐的器官中产生的。 猫的轻柔动作使其外观柔和。 就连斗牛犬顽强蹲伏的线条也体现出它自身的力量和凶猛之美。 通过这种方式,我们解释了自然界无穷无尽的形式,它们总是和谐的、有节奏的、变化无穷的。 换句话说,自然之美是动态美,而不是静态美。

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金王羲之《行让帖》

这一动作的美感是理解中国书法的关键。 中国书法的美是千变万化的。 因为它表达了一种动态的美,所以它得以幸存,并且千变万化,数不胜数。 快速而稳定的击球是完美的,因为它象征着速度和力量。 它不能被模仿,也不能被改变,因为任何改变都会带来不和谐。 这就是为什么书法作为一门艺术如此难学。

将中国书法之美归因于万物有灵的原则,并非作者独创。 汉语中有很多表达方式可以作为证明和参考,如“肉”、“骨”、“筋”等词语。 其哲学内涵从未被自觉地揭示出来。 只有当我们找到让西方人能够理解中国书法的方法时,我们才开始探索。 王羲之曾师从的东晋女书法家韦夫人说:善写者骨多,不善写者肉多。 骨多肉少的,称为金树;骨多肉少的,称为金树;骨多肉少的,称为金树。 肉多骨少的称为莫猪。 力强者,筋强者圣; 体弱无筋者有病。

运动的动态原理产生了结构原理,这是理解中国书法的本质。 平衡与对称的简单美绝不是美的最高形式。 中国书法的原则之一是,方形字绝不应该是真正的方形,而应该是一侧高、一侧低,并且两个对称部分的大小和位置不应该绝对相同。 这个原理叫做“动量”,代表着气势之美。 因此,在这种艺术范式中,我们有许多看似不平衡的结构形式,实际上是非常平衡的。

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唐张旭《古诗四注》

这种动态美与纯静态美之间的区别,就像一个人静静地站着或坐着的形象与一个人挥动高尔夫球杆或将足球踢向天空的形象之间的区别一样。 另一个例子是一张女人头向后仰的照片,这比她直视前方的照片更具动感。 因此,中国书法的笔画总是从侧面开始,这比平画更具艺术性。 这种结构的一个例子可以在《张猛龙碑》中看到,字体看似濒临崩溃,但又保持了良好的平衡。 这种现代书法范式在监事会主任于右任的书法中可见一斑。 他个人能有今天的高地位,很大程度上得益于他作为高级书法家的声誉。

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北魏·《张猛龙碑》魏碑

“张猛龙碑”以其结构多样、四壁陡峭而闻名。 正是“正统之体的扭曲教派”! 堪称魏碑的结晶,凡是研究北魏书法的人都会将其视为典范!

现代艺术正在探索各种节奏,尝试各种新的结构形式,但迄今为止尚未取得任何成果。

它唯一的成功就是给我们一种逃避现实的印象。 它最明显的特征不是它努力抚慰我们的灵魂,而是它努力刺激我们的感官。 因此,对中国书法及其万物有灵原理的研究,最终还是建立在万物有灵或韵律生命力的原理之上。 在中国科学院的指导下,对自然韵律的重新研究将为现代艺术开辟广阔的前景。 直线、平面、圆锥体的交错和重复使用,可以使人兴奋,但不具有活泼的美感。 正是这些平面、圆锥体、直线和曲线似乎耗尽了现代艺术家的智慧。 为什么不回归自然,寻求自然的帮助呢? 看来一些西方艺术家会不畏艰险,开始练习用毛笔写英文。 经过十年的练习,如果他有天赋、有智慧,真正理解了万物有灵的原理,他就能在泰晤士广场上用线条和形式写出标志和广告牌,这真是一门艺术。

当研究中国绘画和建筑时,将进一步了解中国书法作为中国美学基础的全部含义。 在中国绘画的线条和结构中,在中国建筑的形式和结构中,我们将能够看到那些源自中国书法的原则。 正是这些节奏、形式、范围的基本概念,赋予了中国诗歌、绘画、建筑、瓷器、装潢等各个门类的艺术基本的精神体系。

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林语堂丨(1895-1976),原名和乐,后改语堂,后又改名语堂。 笔名毛鲁、宰予、齐庆等。中国当代著名学者、作家、语言学家。 早年留学海外,回国后在北京大学等著名大学任教。 1966年定居台湾,一生著作丰硕。

1895年出生于福建一个基督教家庭,父亲是一名教堂牧师。 林语堂1912年考入上海圣约翰大学,毕业后任教于清华大学。 1919年秋赴美国哈佛大学文学系学习,1922年获文学硕士学位。同年移居德国,进入莱比锡大学,专攻语言学。 1923年获博士学位后回国,历任北京大学教授、北京女子师范学院院长、英语系主任。 1924年后,成为《语思》主要撰稿人之一,并在《语素》发表第一篇文章《论士气与思想世界的关系》。 1926年任厦门大学文学院院长,从事论文写作和语言研究。 1927年任外交部秘书。 1932年,主编《论语》双月刊。 1934年创办《人间世界》,出版《大荒集》。 1935年创立《普世风》,主张“以自我为中心,从容不迫”的文章,成为《论语》的主要人物。 1935年后,林语堂在美国用英文写出了《我的祖国和我的人民》、《呼啸的风》、《老子的智慧》和《生活的艺术》。

在法国,创作了《北京的小云》等文化作品和小说。 向海外推广孔孟老庄哲学和陶渊明、李白、苏东坡、曹雪芹等文学作品的英译。 林语堂是第一位以英文写作蜚声海外的中国作家。 他还是一位著名的学者,是语言学家、哲学家、作家。

教学经验

1944年曾回国到重庆讲学。

1945年赴新加坡筹建南洋大学并任校长。

1947年担任联合国教科文组织美术与文学部主任。

1952年在美国共同创办《天风》杂志。 1

1966年定居台湾。

1967年受聘为香港中文大学研究教授。

1975年,当选为国际笔会副主席。

1976年3月26日在香港逝世,4月移居台北,葬于故居后花园,享年82岁。

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林语堂书法

文章选自林语堂所著《我的祖国和我的人民》

注:资料图片合成自网络